Fêter la photographie est déjà une longue tradition à Cahors, qui porte à ce médium un intérêt particulier. En 1991, un nouvel élan a été donné au Printemps de la photographie, pour en faire une manifestation à la fois populaire et de grande qualité artistique.

Avec l'édition 1992, nous souhaitons continuer dans ce sens, tout en affirmant plus fortement encore la place de la photographie dans la création contemporaine. Nous pensons en effet qu'un festival de photographie peut difficilement prétendre aujourd'hui couvrir tous les aspects de cette forme d'expression, sans tomber dans le gigantisme et la confusion. Le Printemps de Cahors se refuse à ces désastreuses accumulations, et souhaite au contraire affirmer son originalité et ses engagements.

Une photographie ayant sa place dans la création contemporaine, c'est beaucoup plus qu'une querelle un peu vaine autour de quelques mots. Peu importe en effet que certains parlent de la photographie créative, ou encore plasticienne. Ce n'est pas un genre ni une école que nous souhaitons défendre ici, mais une exigence et une seule : celle d'avoir à faire avec une photographie qui ne se définit plus par ses usages, mais par le fait qu'elle constitue une oeuvre, avec toute la rigueur que cela suppose. Et nous sommes bien conscients du fait qu'il existe aujourd'hui une certaine photographie d'art qui se définit elle aussi par un usage particulier, et qui semble parfois être produite pour figurer dans certains lieux (des musées en général), dans une tentative assez vaine pour rivaliser avec la peinture dans ses formes les plus académiques.

La photographie n'a plus à faire la preuve qu'elle peut être un art. De fait, elle est l'art contemporain, pourrait-on dire, puisque depuis une bonne quinzaine d'années, le support photographique est au coeur de la création contemporaine (on pense à Cindy Sherman, montrée ici en 1991, à Gilbert & Georges, à Boltanski, à Tosani, à Hamish Fulton, à Boyd Webb, parmi beaucoup d'autres). Mais cela est vrai aussi de photographes "purs" dont le travail est reconnu au même titre que celui d'artistes travaillant dans d'autres médias (je pense à Mapplethorpe, à Lewis Baltz, à Dieter Appelt, par exemple).

C'est pour cela que les critères que nous avons retenus  ne sont ni thématiques ni stylistiques. On trouvera des photographes travaillant en noir et blanc, comme Irving Penn, Jorge Molder, Bruce Weber, Bernard Plossu, Hiroshi Sugimoto, Marlo Broekmans, tous photographes au sens strict du terme, et dont le travail s'impose par la création d'un imaginaire personnel et une répertoire formel original. Mais on trouvera aussi des artistes pour lesquels la photographie n'a pas ce caractère d'analyse du réel, et représente plutôt un élément d'exploration d'une pensée plastique. C'est ainsi que nous montrons un aspect de l'oeuvre photographique d'un grand artiste contemporain, Robert Rauschenberg, et un parcours rétrospectif du travail de Nils Udo dans la nature depuis les années 70. La confrontation d'oeuvres de John Hilliard et de Thomas Ruff mettra en évidence deux manières radicalement opposées d'utiliser le dispositif photographique pour construire une vision et une oeuvre particulières. Le travail de Barthélémy et Sultra dans le cloître est une manière d'aborder, à travers une installation multimédias, la question de la place de l'image photographique dans l'espace public ; tout comme d'ailleurs les projections géantes que réalise Krzystof Wodiczko sur des monuments, et dont nous montrons une rétrospective sous formes de vues de ces installations forcément éphémères.

Nous sommes convaincus que le public a, dans sa perception intuitive des images, une maturité et une exigence considérables. C'est à cette exigence que nous souhaitons nous adresser, sans aucun dogmatisme, et en nous souvenant que ce qui nous a réunit tous autour de l'image photographique, c'est avant toute chose un unique plaisir de voir.

Régis Durand